Steve Reich: music for 18 musicians

Stephen Michael Reich (Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.Reich en sus inicios desarrolló varias técnicas de composición musical, que incluyen el uso de loops en cinta —tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out—, efectos de fase repetidos —Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase— y nuevos conceptos musicales —en Pendulum Music, la retroalimentación con micrófonos y en Four Organs, el alargamiento—. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la música contemporánea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la experimentación tecnológica para seguir explorando nuevas formas de expresión musical con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.

Numerosos críticos angloamericanos y británicos le conceden una gran relevancia, no tan compartida fuera del mundo anglosajón. Así The Guardian ha descrito a Reich como uno de los pocos compositores que «alteró la dirección de la historia de la música»; The New York Times lo sitúa «...entre los más grandes compositores del siglo»; The New Yorker, habla de él como «...el más original pensador musical de nuestro tiempo»; y, The Village VOICE, sencillamente dice que es «...el más grande compositor norteamericano vivo».En el año 2006 Steve Reich ha sido distinguido con el prestigiosos Praemium Imperiale y en el año 2007 con el Polar Music Prize.

"Música para 18", una obra de casi una hora en la que, pasar, no pasa nada, pero en la que, de misteriosas maneras, se suceden infinitos acontecimientos esencialmente musicales. La interpretación del Ensemble Modern es transparente: se oye todo, se comprende todo y se degusta todo. Toca sin director. Así debe ser, porque ésta es una obra asamblearia. La idea no es que todos miren a uno sino que se oigan entre sí. 

Stockhausen- El canto de los adolescentes

Biografía: 

Karlheinz Stockhausen (Mödrath, 22 de agosto de 1928-Kürten-Kettenberg, 5 de diciembre de 2007) fue un compositor alemán ampliamente reconocido como uno de los compositores más destacados de la música culta del siglo XX.Es conocido por sus trabajos de música contemporánea y sus innovaciones en música electroacústica, música aleatoria y composición seriada.

En esta audición Stockhausen diseña sonidos en los que no sabemos si son instrumentos reales o los ha realizado electrónicamente.

-Se escuchan voces de jóvenes

Edgar Varése -Ionisation

Biografía:

Nació en (París, 1883 - Nueva York, 1965) Compositor francés nacionalizado estadounidense. Cursó sus primeros estudios musicales en Turín. A partir de 1903 residió en París. En 1907 se trasladó a Berlín. En 1916 se trasladó definitivamente a Nueva York, donde residiría hasta su muerte.

Varèse elaboró sus obras a partir del concepto de "sonido organizado", con el que se aparta de las nociones tradicionales de armonía y melodía. Sus obras están organizadas, fundamentalmente, con la yuxtaposición, la repetición y la variación de ideas musicales basadas, sobre todo, en el timbre y los volúmenes sonoros, convirtiéndose de este modo en un precursor de la música electroacústica y la música concreta.

En 1923, después de repudiar todas las obras compuestas durante su período juvenil, el compositor dio a conocer Américas (1920-1921), Ofrendas (Offrandes, 1921), para voz, e Hyperprism (1922-1923), para dos amplios conjuntos de instrumentos de viento y de percusión.Entre sus obras posteriores, las más notables sonIntegrales (1924), Arcana (1927), Ionisation (1933, obra en la que un numeroso grupo de percusión y el sonido de sirenas se organizan mediante el esquema de la sonata; Ecuatorial (Equatorial, 1934), Densidad 21,5(Density 21,5, 1936); Desiertos (Déserts, 1955), composición para instrumentos de viento y de percusión, a los que el músico añade el sonido de una cinta magnetofónica, convirtiéndose así en uno de los pioneros de su utilización compositiva. De sus últimas producciones destacan Poema electrónico (1958) y Nocturnal (1961).

Características técnicas de la audición: Utiliza presencia exclusiva de los instrumentos de percusión , genera una música compleja con estructura muy rítmica y las alturas a manos de una sirena que hace de melodia.

Milhaud.

Darius Milhaud (Marsella, Francia, 4 de septiembre de 1892 – Ginebra, 22 de junio de 1974) fue un compositor francés. Su obra se caracteriza por el empleo de la politonalidad (varias tonalidades simultáneas), así como de patrones rítmicos derivados del jazz.

11.Anton Webern .Cinco piezas para orquesta op 10 (primera)

Características técnicas:
Uso de la repetición continua hace que nos recuerde al minimalismo.
Tocando instrumentos de cuerda frotada con el dedo
Ésta es la primera de ellas,instrumentos de percusión(de manera novedosa)
Sonidos independientes.

Biografía:

Anton von Webern (Viena, 3 de diciembre de 1883-Mittersill, Salzburgo; 15 de septiembre de 1945) fue un compositor austríaco.Fue miembro de la llamada Segunda Escuela de Viena. Como estudiante y brillante seguidor de Arnold Schoenberg, es uno de los más conocidos exponentes del dodecafonismo; además, sus innovaciones referentes a la organización sistemática de altura, ritmo y dinámica fueron decisivas para el estilo musical conocido más tarde como serialismo.

Stravinsky- La consagración de la primavera (Danza de los adolescentes)

Biografía:

Ígor Fiódorovich Stravinski (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 –Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes lo tildaban como un músico del porvenir: «Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente». En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual dijo una famosa frase: «La música es incapaz de expresar nada por sí misma».Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky(Conversaciones con Stravinski).Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

Características técnicas
Técnicas de osquestación que Stravinsky desarrolla.
Se trata de un rito indio
El ritmo como motor fundamental de la obra,Ritmo sincopado,violento hasta límites nunca antes oídos.
Este ballet constituyó una verdadera revolución al servirse del ritmo como motor fundamental de la obra,con un tratamiento de la osquesta rudo,casi salvaje.El público de la época ,con las delicuescencias impresionistas aún en los oídos, se quedó estupefacto y promovió un notable escándalo ante esta música agresiva ,atronadora,que en su primitivismo estructural venía a commover el delicado y artificioso "buen gusto" de la música de salón.

Elvis presley -Rock de la cárcel.

Biografía:

Elvis Aaron Presley (Tupelo, Misisipi, 8 de enero de 1935 - Memphis, Tennessee, 16 de agosto de 1977) fue un cantante y actor estadounidense y de los más populares del siglo XX, considerado como un icono cultural y conocido ampliamente bajo su nombre de pila, Elvis. Se hace referencia a él frecuentemente como «el Rey del rock and roll» o simplemente «el Rey».Nació en Tupelo, Mississipi, pero cuando tenía 13 años se mudó junto a su familia a Memphis, Tennessee donde, en 1954, comenzó su carrera artística cuando Sam Phillips, el dueño de Sun Records, vio en él la manera de expandir la música afroamericana. Acompañado por el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black, fue uno de los creadores del rockabilly, un estilo de tempo rápido impulsado por un constante ritmo que consiste en una fusión de música country y rhythm and blues.

Tras llegar a un acuerdo con el que fue su apoderado durante casi dos décadas, el coronel Tom Parker, la compañía discográfica RCA Records consiguió un contrato para difundir su música. El primer sencillo con esta empresa, «Heartbreak Hotel», publicado en enero de 1956, se convirtió en un éxito número uno. Pronto, tras sus apariciones en los medios, se convirtió en la figura principal del popular sonido del rock and roll, con una serie de presentaciones televisivas y éxitos que llegaron a la cima de las listas de ventas. Sus interpretaciones llenas de energía, sobre todo de canciones afroamericanas y su estilo desinhibido lo hicieron enormemente popular y controvertido. Meses después, en noviembre de ese mismo año, llevó a cabo su debut cinematográfico con la película Love Me Tender.Reclutado para el servicio militar en 1958, reanudó su carrera artística dos años más tarde, llegando parte de su material a alcanzar mayor éxito comercial desde entonces. Dio pocos conciertos, sin embargo, en la década de los 60, guiado por Parker, procedió a dedicarse a filmar películas para Hollywood y bandas sonoras. En 1968, tras siete años alejado de los escenarios, volvió a realizar presentaciones en directo en un especial de televisión que dio lugar a una amplia serie de conciertos en Las Vegas y también a varias giras musicales.En 1973, protagonizó el primer concierto teletransmitido, de ámbito mundial vía satélite, Aloha from Hawaii, visto aproximadamente por 1.500 millones de personas. Finalmente, el consumo excesivo de medicamentos prescritos comprometió gravemente su salud, hasta que en 1977 murió súbitamente a la edad de 42 años.Presley es considerado como una de las figuras más importantes de la cultura popular del siglo XX. Tenía una voz versátil y un inusual éxito en muchos géneros, entre ellos el country, el pop, las baladas, el gospel y el blues. Asimismo, se trata del solista con más ventas en la historia de la música popular.Nominado a 14 premios Grammy, ganó tres y recibió uno en la categoría a la carrera artística a la edad de 36 años, además de figurar en diversos salones de la fama musicales.

6- John Coltrane So what

Biografía:

John Coltrane (Hamlet, ciudad en el condado de Richmond, en Carolina del Norte: 23 de septiembre de 1926 -Nueva York: 17 de julio de 1967), apodado Trane, fue un músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y soprano. Ocasionalmente, tocó el saxo alto y la flauta. Es considerado uno de los más grandes músicos del siglo XX.Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Se casó, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas, como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme. Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Características técnicas de la audición:

Saxofón soprano coro el alto
Solos largos (de 10 minutos) antes estaban más reglados.
No es música culta,es jazz.
Se trata de una pieza estándar que la modifican.

5-Messiaen: Catálogo de pajaros.( L´aouette calandrelle)

Biografía:

Nació(Avignon, Francia, 1908 - Clichy, Hauts-de-Seine, id., 1992) Fue Compositor, organista, pedagogo y ornitólogo francés. Una profunda fe cristiana, la fascinación por el hinduismo, la seducción por el color instrumental y, sobre todo, el amor a los pájaros y la naturaleza son algunos de los heterogéneos elementos sobre los que se sustenta el personal estilo de Olivier Messiaen, un autor difícilmente encasillable en una corriente concreta. Fascinante por su riqueza tímbrica, rítmica y armónica, inconfundiblemente moderna, su música es portadora de un mensaje humano y universal que supera su evidente confesionalidad católica.

Hijo de un profesor de literatura y traductor de Shakespeare, y de una poetisa, Cécile Sauvage, Messiaen creció en un ambiente favorable a toda expresión artística. Talento precoz, fue alumno del Conservatorio de París, donde estudió órgano (instrumento del que iba a ser un consumado intérprete) y composición. En 1936 fue uno de los fundadores de la Jeune France, grupo dedicado a difundir la nueva música francesa.

Llamado a filas tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, en 1940 Olivier Messiaen fue hecho prisionero por los alemanes e internado en un campo de concentración en Silesia, donde compuso el Quatuor pour la fin du temps. Acabada la contienda, el nombre del compositor comenzó a cobrar cierta relevancia, sobre todo a partir del estreno (en 1949 y bajo la batuta de Leonard Bernstein) de la monumental Sinfonía Turangalila.

4- Bartók ,musica para cuerda,percusión y celesta(1er y 3er movimiento)

Biografía:
Béla Viktor János Bartók, conocido como Béla Bartók (en húngaro: Bartók Béla), (Nagyszentmiklós, Imperio Austrohúngaro -actualmente Sânnicolau Mare, Rumanía-, 25 de marzo de 1881- Nueva York, 26 de septiembre de1945) fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de música folclórica de la Europa oriental. Bartók fue uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen laetnología y la musicología.

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3- Schoenberg -Pierrot lunaire.(Natch)

Biografía:

Arnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1933, escribió su apellido con la otra grafía alemana posible, Schoenberg.Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además, fue el líder de la denominada Segunda Escuela de Viena.

Pierrot Lunaire,  es un ciclo de canciones compuesto por Arnold Schoenberg. Es un conjunto seleccionado de 21 poemas de la traducción realizada por Otto Erich Hartleben del ciclo de poemas franceses del mismo nombre de Albert Giraud. La obra se estrenó en el Berlín Choralion-saal en octubre de 1912, con Albertine Zehme como vocalista.

La soprano solista canta los poemas en el estilo Sprechstimme, lo que complementa auralmente el estado de ánimo de los poemas. La obra es atonal, pero no dodecafónica, dado que Schoenberg comenzó a experimentar con el dodecafonismo en un punto posterior de su carrera.

Pierrot Lunaire ,para soprano y seis intrumentos en que la voz humana medio canta medio habla,con voz atemorizada,como sonámbula,mientras que la pequeña orquesta se crispa y contorsiona,logrando una admirable descripción de un estado psicológico interno.De esa época tambien el monodrama "La mano feliz" y un interesante libro teórico :El tratado de armonía.

2- Ravel : Bolero.

Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 – París, 28 de diciembre de 1937) fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además un audaz estiloneoclásico y, a veces, rasgos del expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresalió por revelar «los juegos más sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le Robert).

Características técnicas:
Bolero es una obra musical creada por Maurice Ravel en 1928 y estrenada en la ópera garnier de París ese mismo año.
Es un ballet compuesto y dedicado a la bailarina Ida Rubinstein.
Es un movimiento orquestal inspirado en la danza española.
Tiene un tiempo y un ritmo invariables y una melodía obsesiva o repetitiva.(repetida una y otra vez sin ninguna modificación excepto en efectos orquestales).
Esta obra que esconde una gran originalidad,ha llegado a ser una de las más interpretadas en todo el mundo.

El contexto histórico:
-El llamado impresionismo es un fenoméno tipicamente frances.
-Se busca principalmente la sensación y la sugestión.
-El esteticismo alcanza su máxima expresión.
-debussy es el principal representante de este movimiento ,otros autores como Ravel pueden clasificarse como neoclásicos porque recurren a formas o procedimientos tradicionales empleando un lenguaje nuevo.

1. Debussy .Preludio a la siesta de un fauno.

BIOGRAFÍA

Claude-Achille Debussy (Saint-Germain-en-Laye, Francia, 22 de agosto de 1862 - París, 25 de marzo de 1918) fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xxy, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903.

Claude Debussy es quien dió el espaldarazo decisivo al auténtico renacimiento de la música francesa,y cuyas aportaciones tanto técnicas como estilísticas han sido de vital importancia para el posterior desarrollo del arte musical.Desde su ingreso  en el Conservatorio da muestras de un carácter difícil e irónico que le acarrea la incomprensión de sus maestros.
A pesar de ello obtiene una sólida formación académica que le será de gran ayuda para ganar en 1884,el codiciado premio de Roma con la cantata " El hijo pródigo." Anteriormente había realizado un viaje por Rusia durante el cual tuvo la oportunidad de descubrir la obra de Mussorgsky, que le estimula a proseguir sus búsquedas en el fascinante mundo de los acordes.En París frecuenta la tertulia que preside el poeta simbolista Mallarmé,sobre uno de cuyos poemas compone su célebre " Preludio a la siesta de un fauno".pieza que señala la incorporación definitiva de las nuevas estéticas a su música y que es muestra palpable de la libertad formal que Debussy confería a sus composiciones,al tiempo  que pone de manifiesto un tratamiento tímbrico muy original.

RESUMEN ESPAÑA

La música en españa (la influencia italiana)
Hasta 1850 nos encontrábamos en una decandencia en cuanto a la música.Con la llegada de Rossini a Madrid sólo sirve para italianizar toda la manifestación culta.

La reacción castiza
Hay una reacción contra los extranjero: se crea la ópera española.(fracasa)Mayores aciertos en la zarzuela.España se incorpora muy tarde en el romanticismo europeo,como consecuencia de que no ha recibido buena educación musical.No hay buena música desde que murió Arriaga y sólo en el teatro podemos ver cierta inquietud.

La ópera y la zarzuela
La ópera española fracasa, se cultiva la zarzuela que es una especie de teatro ligero en el que lo nacional se resuelve mediante la alusión folklórica. Cuando la zarzuela tiene grandes dimensiones cae en la estructura de la ópera italiana pero en el llamado género chico se logran auténticas obras maestras.
Principales compositores de este período:  ESLAVA,ARRIETA,BARBIERI,BRETÓN,CHAPÍ.
ARRIAGA:

Su nombre completo era Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola y nació en Bilbao, en la casa familiar del n.° 51 de la calle Somera. Fue bautizado ese mismo día en la parroquia de los Santos Juanes. Era el octavo hijo, aunque tres habían muerto ya cuando él nació. Allí, su padre, Juan Simón de Arriaga, organista en Berriatúa, le enseñó los fundamentos de la música. Su talento le lleva a convertirse en alumno de Faustino Sanz, renombrado violinista. A los 11 años ya compone y representa obras en las sociedades musicales de Bilbao.A los 15 años su padre decide que continúe su formación en el Conservatorio de París, donde estudia violín con Pierre Baillot, armonía con François-Joseph Fétis y contrapunto con Luigi Cherubini. En dicho conservatorio fue nombrado profesor auxiliar de Fetís en 1824. Murió en París con 19 años, a consecuencia de una enfermedad pulmonar.

ARRIETA:

(Pascual Arrieta; Puente la Reina, 1823-Madrid, 1894) Compositor español. Estudió en Madrid y en Milán. De regreso a España, fue profesor de canto de la reina Isabel II y director de música de palacio. Escribió numerosas zarzuelas, entre las que destacan La ínsula Barataria (1864), La sota de espadas (1871) y, sobre todo, Marina (1871), que, convertida en ópera, fue estrenada en el teatro Real de Madrid en 1887

BARBIERI:

Madrid, 1823-id., 1894) Compositor y musicólogo español. La trascendencia de Francisco Asenjo Barbieri en la música española es triple: fue un excelente compositor, un director de orquesta capaz, a quien se debe la introducción en España de muchas obras sinfónicas del continente europeo, y un incansable musicólogo, responsable de la recuperación y edición del patrimonio antiguo de su patria.

Atraído por la ópera desde su más tierna infancia, cuando asistía a las representaciones de óperas italianas que se ofrecían en el Teatro de la Cruz, en el que trabajaba su abuelo, Barbieri estudió clarinete, canto y composición en el Conservatorio de Madrid. Al finalizar sus estudios, realizó diversas tareas, desde copista hasta maestro de coro, al tiempo que intentaba dar a conocer sus primeras composiciones, entre ellas la ópera italianaIl buontempone (1847).

Las dificultades para estrenarla hizo que centrara su interés en la zarzuela, género a cuya recuperación contribuyó después de más de un siglo de olvido. En 1850 debutó en este campo con Gloria y peluca, a la que siguieron Jugar con fuego (1851), Los diamantes de la corona (1854), Pan y toros (1864) y El barberillo de Lavapiés (1874), su obra maestra.

BRETÓN:

(Tomás Bretón Hernández; Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor y director de orquesta español. Hijo de una humilde familia y huérfano de padre a los dos años, pudo, a costa de grandes sacrificios, empezar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal. Discípulo de Emilio Arrieta en el Conservatorio de Madrid, durante su juventud se ganó la vida tocando el violín en diversas orquestas y cafés.

CHAPÍ:

(Villena, 1851 - Madrid, 1909) Compositor español, particularmente recordado por sus populares zarzuelas. A los cinco años empezó el estudio del solfeo. A los dieciséis marchó a Madrid, donde ingresó en el Conservatorio; allí estudió el piano con Fernández Grajal y la armonía con Galiana. En 1872 era director de una banda militar y compuso Fantasía morisca, obra que se hizo famosa.

MÚSICA INTRUMENTAL.escasa calidad.La Reacción nacionalista,conectada con la generación del 98.

SARASATE .

(Martín Melitón Sarasate; Pamplona, 1844 - Biarritz, 1908) Compositor y violinista español. Dio su primer recital de violín a los 7 años y, posteriormente, estudió con Rodríguez Sáez en Madrid, donde fue presentado a la familia real. Bajo la protección de Isabel II en 1856, inició sus estudios en París con Alard y al año siguiente ganó el Primer Premio de Violín. Emprendió su carrera internacional en 1859, consiguió grandes éxitos y fue objeto de dedicatorias por parte de grandes músicos de la época, como Bruch (Concierto nº 2 y Fantasía escocesa), Saint-Saëns (Introducción y rondó caprichosoy Primer y Tercer Concierto), y Dvorák (Mazurek).

En su repertorio, además de las obras escritas para él por grandes compositores, incluía conciertos de Beethoven, Mendelssohnn y Mozart, así como sonatas, en una época en que los violinistas preferían las piezas virtuosas de salón. Pero rechazaba interpretar elConcierto de Brahms por ser obra del repertorio de su rival Joachim. Pese a ser un virtuoso, también tocaba música de cámara en cuartetos, quintetos y sextetos. En 1860 formó un cuarteto con Turban, Wesfelghem y Delsart, que tocaba especialmente música de Brahms en una época en la que era rechazada en los países latinos.

TÁRREGA.

Francisco de Asís Tárrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de1909) fue un compositor y guitarrista español.Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres.Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.

-Pedrell,el precursor del nacionalismo y el investigador de nuestro pasado musical.

-Albéniz,granados,Manuel de falla.

-Nacionalismo español en el soglo XX: Joaquín Turina,Oscar esplá,Federico Mompou,Ernesto halffter.,Joaquin Rodrigo,Rodolfo Halffter.

AGUADO:

Nacido en Fuenlabrada (Madrid) el 8 de abril de 1784 y muerto el 29 de diciembre de 1849, es uno de los guitarristas españoles más célebres del siglo XIX. Inició sus estudios musicales con Fray Miguel García, conocido como Padre Basilio, y más tarde con Manuel García, el famoso tenor español. Influenciado por el italiano Federico Moretti, y junto con Fernando Sor, adoptó la notación convencional para guitarra, prescindiendo de la notación por tablatura, imperante en España en esa época.La invasión de Napoleón, y lo que esto conllevó, no hizo sino ralentizar su aprendizaje. Después de un periodo de retiro que dedicó al estudio y perfeccionamiento de su técnica, se marchó a París en 1825, y atrajo la atención de músicos relevantes de la época (Rossini, Paganini, Vincenzo Bellini, Fernando Sor, Fossa, …) por su virtuosismo, y alcanzó un gran éxito con sus recitales. Con Sor hizo amistad, colaboró estrechamente e incluso vivió durante un tiempo. De hecho éste le dedicó un dueto (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos, una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado"). En 1838 regresó a Madrid, donde dedicó su vida a la enseñanza hasta que murió el 29 de diciembre de 1849.

Cuadros románticos,audición y texto.

Por dondequiera que fui

 la razón atropellé

la virtud escarnecí

a la justicia burlé

y a las mujeres vendí.

Yo a las cabañas bajé

yo a los palacios subí,

yo a los claustros escalé,

y en todas partes dejé 

memoria amarga de mí.

DON JUAN TENORIO

1844 José Zorrilla

(Al hacer este trabajo me ayudé de la visita que hicimos al museo romántico)

Música y sociedad.

Yo pienso que la música actual tiene bastante que ver con la sociedad en la que vivimos. Las canciones populares que escuchamos habitualmente en la radio o en cualquier otro sitio siempre tienen algo en común…Aunque tratan de diversos temas la mayoría de ellas ya sean en español o en inglés(o en otro idioma) tienen algo que ver con el amor,con el desengaño…con olvidar a alguien,con echar de menos a alguien…Hay canciones que dependiendo de su ritmo nos hacen cambiar nuestro estado de ánimo,como estar tristes o motivarnos…nos hacen imaginarnos cosas,pensar en momentos que ya hemos vivido. Las canciones siempre nos recuerdan a un momento,a un lugar y a una persona.
A parte las canciones populares (las que salen en las listas de las más escuchadas ect) suelen ser todas muy parecidas…por no decir iguales.

BIZET CARMEN HABANERA

Biografía:

París, 1838 - Bougival, Francia, 1875) Compositor francés. Muy exigente consigo mismo, su producción es escasa y cuenta con muchas obras inacabadas y retiradas por el mismo compositor y sólo recuperadas póstumamente, como es el caso de la Sinfonía en do mayor (1855). Nacido en el seno de una familia de músicos, ingresó en el Conservatorio de París con tan sólo nueve años. La consecución en 1857 del prestigioso Gran Premio de Roma de composición le permitió proseguir su formación en Italia durante tres años. Su ópera Don Procopio data de aquella época. A su regreso a Francia, compuso las óperas Los pescadores de perlas(1863) y La hermosa muchacha de Perth (1867), ambas acogidas con frialdad por el público. No corrieron mejor suerte las dos obras que más han contribuido a la fama del compositor: la música de escena para el drama La arlesiana (1872), de Alphonse Daudet, y sobre todo la considerada obra maestra del teatro lírico galo, Carmen(1875), cuyo controvertido estreno se dice que precipitó la muerte del compositor.

MUSSORGSKI: Una noche en el monte pelado

Modest Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose de la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Músorgski como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo. Modest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.Músorgski cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre.El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso de éste que, en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce. Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir 42 años.

Músorgski.

Contexto histórico: El público de ópera generalmente conservador frena la evolución del género hacia formas renovadoras.
Con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,Verdi,Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.

En las características técnicas apreciamos dos partes diferenciadas: la orquesta y el melodismo,cómo utiliza los timbres.
Melodía hecha con flauta,crear ambientes con el arpa,melodía antigua,música tradicional.

RUSIA. EL NACIONALISMO PURO.
La primera escuela nacionalista surge en Rusia gracias a la obra personal de un compositor :Mijal Glinka.La influencia de Glinka se desdobla en dos caminos diferentes:el nacionalismo a ultranza y el nacionalismo fusionado a formas más occidentales.La polémica estallará con frecuencia entre ambas concepciones,que producen compositores muy estimables.

ROMANTICISMO 11. BRAHMS Sinfonía en Mi menor (Allegro 1er movimiento)

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo, aunque se le puede considerar ya un postromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos.Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad (frase acuñada por Hans von Bülow) se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha "trinidad" por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa le abandonó para casarse con el otro compositor.

Contexto histórico :El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo,conectado a luchas por la independencia o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.

La utilización del folklore de un país como inspiración musical había sido normal en el romanticismo :chopin,Liszt,Brahms…

-La escuela nacionalista mas importante es la rusa.

ROMANTICISMO 10. Tchaikovsky: El cascanueces. "El vals de las flores"

Biografía : Piotr Ilich Chaikovski fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta(Patética) y la ópera Eugenio Oneguin.Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.

El cascanueces es un cuento de hadas-ballet estructurado en dos actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Ivan Vsevolozhsky en 1891 y se estrenó en 1892. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski entre 1891 y 1892. Se trata de su op. 71 y es el tercero de sus ballets. En la producción original la coreografía fue creada por Marius Petipa y Lev Ivanov. El libreto fue escrito por Ivan Vsevolozhsky y el propio Petipa, basándose en la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.Antes de su estreno Chaikovski seleccionó ocho de los números del ballet formando la Suite El cascanueces op. 71a, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo.La suite fue popular desde entonces, aunque el ballet completo no logró su gran popularidad hasta los años 1960. La música de este ballet se conoce, entre otras cosas, por su uso de la celesta, un instrumento que el compositor ya había empleado en subalada sinfónica El voivoda de 1891. Es el instrumento solista en la Danza del hada de azúcar, pero también aparece en otras partes del segundo acto.La primera representación tuvo lugar el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo. Unos cincuenta años más tarde Walt Disney utilizó parte de la música de El cascanueces en su película Fantasía de 1940. A la gente le gustó la película y comenzaron a interesarse por el ballet. El interés creció cuando el montaje de El cascanueces de George Balanchine fue televisado a finales de 1950. El ballet ha sido representado en muchos lugares diferentes desde entonces y se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets en los países occidentales, principalmente representado en Navidad.

Características técnicas:El ritmo ternario es un Vals,siempre con las mismas melodías.
 Ballet. Música popular para representar baile de salón. Incorpora melodías rusas e internacionales como el vals. La orquesta (viento madera,viento metal, poca percusión triángulo)

Contexto histórico: El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo,conectado a luchas por la independencia  o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.

Tchaikovsky compositor ruso que sintetiza el nacionalismo con el romanticismo europeo: el nacionalismo cosmopolita.

ROMANTICISMO 9. Berlioz. Sinfonía Fantástica

Louis Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André, entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur.

La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo; el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática. La Sinfonía fantástica consta de cinco movimientos:

1. Sueños y pasiones
2. Un baile
3. Escena en el campo
4. La marcha del cadalso
5. Sueño de una noche de aquelarre

El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.

Contexto histórico: El público de ópera,generalmente conservador,frena la evolución del género hacia formas renovadoras.

La tradición sinfónica alemana concede a la orquesta un papel importante en la descripción de situaciones y en los acompañamientos,que en la ópera italiana solían ser demasiado simples.

-Tomando elementos de la escuela italiana y la alemana,en Francia se renueva el lenguaje musical a partir de la obra de Berlioz,y posteriormente,Gounod y Bizet.