RESUMEN ESPAÑA

La música en españa (la influencia italiana)
Hasta 1850 nos encontrábamos en una decandencia en cuanto a la música.Con la llegada de Rossini a Madrid sólo sirve para italianizar toda la manifestación culta.

La reacción castiza
Hay una reacción contra los extranjero: se crea la ópera española.(fracasa)Mayores aciertos en la zarzuela.España se incorpora muy tarde en el romanticismo europeo,como consecuencia de que no ha recibido buena educación musical.No hay buena música desde que murió Arriaga y sólo en el teatro podemos ver cierta inquietud.

La ópera y la zarzuela
La ópera española fracasa, se cultiva la zarzuela que es una especie de teatro ligero en el que lo nacional se resuelve mediante la alusión folklórica. Cuando la zarzuela tiene grandes dimensiones cae en la estructura de la ópera italiana pero en el llamado género chico se logran auténticas obras maestras.
Principales compositores de este período:  ESLAVA,ARRIETA,BARBIERI,BRETÓN,CHAPÍ.
ARRIAGA:

Su nombre completo era Juan Crisóstomo Jacobo Antonio de Arriaga y Balzola y nació en Bilbao, en la casa familiar del n.° 51 de la calle Somera. Fue bautizado ese mismo día en la parroquia de los Santos Juanes. Era el octavo hijo, aunque tres habían muerto ya cuando él nació. Allí, su padre, Juan Simón de Arriaga, organista en Berriatúa, le enseñó los fundamentos de la música. Su talento le lleva a convertirse en alumno de Faustino Sanz, renombrado violinista. A los 11 años ya compone y representa obras en las sociedades musicales de Bilbao.A los 15 años su padre decide que continúe su formación en el Conservatorio de París, donde estudia violín con Pierre Baillot, armonía con François-Joseph Fétis y contrapunto con Luigi Cherubini. En dicho conservatorio fue nombrado profesor auxiliar de Fetís en 1824. Murió en París con 19 años, a consecuencia de una enfermedad pulmonar.

ARRIETA:

(Pascual Arrieta; Puente la Reina, 1823-Madrid, 1894) Compositor español. Estudió en Madrid y en Milán. De regreso a España, fue profesor de canto de la reina Isabel II y director de música de palacio. Escribió numerosas zarzuelas, entre las que destacan La ínsula Barataria (1864), La sota de espadas (1871) y, sobre todo, Marina (1871), que, convertida en ópera, fue estrenada en el teatro Real de Madrid en 1887

BARBIERI:

Madrid, 1823-id., 1894) Compositor y musicólogo español. La trascendencia de Francisco Asenjo Barbieri en la música española es triple: fue un excelente compositor, un director de orquesta capaz, a quien se debe la introducción en España de muchas obras sinfónicas del continente europeo, y un incansable musicólogo, responsable de la recuperación y edición del patrimonio antiguo de su patria.

Atraído por la ópera desde su más tierna infancia, cuando asistía a las representaciones de óperas italianas que se ofrecían en el Teatro de la Cruz, en el que trabajaba su abuelo, Barbieri estudió clarinete, canto y composición en el Conservatorio de Madrid. Al finalizar sus estudios, realizó diversas tareas, desde copista hasta maestro de coro, al tiempo que intentaba dar a conocer sus primeras composiciones, entre ellas la ópera italianaIl buontempone (1847).

Las dificultades para estrenarla hizo que centrara su interés en la zarzuela, género a cuya recuperación contribuyó después de más de un siglo de olvido. En 1850 debutó en este campo con Gloria y peluca, a la que siguieron Jugar con fuego (1851), Los diamantes de la corona (1854), Pan y toros (1864) y El barberillo de Lavapiés (1874), su obra maestra.

BRETÓN:

(Tomás Bretón Hernández; Salamanca, 1850-Madrid, 1923) Compositor y director de orquesta español. Hijo de una humilde familia y huérfano de padre a los dos años, pudo, a costa de grandes sacrificios, empezar sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Eloy de su ciudad natal. Discípulo de Emilio Arrieta en el Conservatorio de Madrid, durante su juventud se ganó la vida tocando el violín en diversas orquestas y cafés.

CHAPÍ:

(Villena, 1851 - Madrid, 1909) Compositor español, particularmente recordado por sus populares zarzuelas. A los cinco años empezó el estudio del solfeo. A los dieciséis marchó a Madrid, donde ingresó en el Conservatorio; allí estudió el piano con Fernández Grajal y la armonía con Galiana. En 1872 era director de una banda militar y compuso Fantasía morisca, obra que se hizo famosa.

MÚSICA INTRUMENTAL.escasa calidad.La Reacción nacionalista,conectada con la generación del 98.

SARASATE .

(Martín Melitón Sarasate; Pamplona, 1844 - Biarritz, 1908) Compositor y violinista español. Dio su primer recital de violín a los 7 años y, posteriormente, estudió con Rodríguez Sáez en Madrid, donde fue presentado a la familia real. Bajo la protección de Isabel II en 1856, inició sus estudios en París con Alard y al año siguiente ganó el Primer Premio de Violín. Emprendió su carrera internacional en 1859, consiguió grandes éxitos y fue objeto de dedicatorias por parte de grandes músicos de la época, como Bruch (Concierto nº 2 y Fantasía escocesa), Saint-Saëns (Introducción y rondó caprichosoy Primer y Tercer Concierto), y Dvorák (Mazurek).

En su repertorio, además de las obras escritas para él por grandes compositores, incluía conciertos de Beethoven, Mendelssohnn y Mozart, así como sonatas, en una época en que los violinistas preferían las piezas virtuosas de salón. Pero rechazaba interpretar elConcierto de Brahms por ser obra del repertorio de su rival Joachim. Pese a ser un virtuoso, también tocaba música de cámara en cuartetos, quintetos y sextetos. En 1860 formó un cuarteto con Turban, Wesfelghem y Delsart, que tocaba especialmente música de Brahms en una época en la que era rechazada en los países latinos.

TÁRREGA.

Francisco de Asís Tárrega Eixea (Villarreal, Castellón, 21 de noviembre de 1852 – Barcelona, 15 de diciembre de1909) fue un compositor y guitarrista español.Un accidente marcó su infancia cuando, al parecer, cayó a una acequia en un descuido de la muchacha que le cuidaba, y quedó su vista dañada. Su padre, con el temor de que quedara ciego, se trasladó a Castellón para que asistiera a clases de música y pudiera ganarse la vida como músico.Entró en el Conservatorio de Madrid en 1874, donde estudió composición con Emilio Arrieta. A finales de 1870 enseñaba guitarra (Emilio Pujol y Miguel Llobet fueron alumnos suyos) y daba conciertos con regularidad. Virtuoso de su instrumento, era conocido como el Sarasate de la guitarra. En 1880 dio recitales en París y Londres.Durante el invierno de 1880, sustituyó a su amigo y guitarrista Luis de Soria en un concierto en Novelda (Alicante), ciudad donde conoció a su futura esposa, María Rizo.

-Pedrell,el precursor del nacionalismo y el investigador de nuestro pasado musical.

-Albéniz,granados,Manuel de falla.

-Nacionalismo español en el soglo XX: Joaquín Turina,Oscar esplá,Federico Mompou,Ernesto halffter.,Joaquin Rodrigo,Rodolfo Halffter.

AGUADO:

Nacido en Fuenlabrada (Madrid) el 8 de abril de 1784 y muerto el 29 de diciembre de 1849, es uno de los guitarristas españoles más célebres del siglo XIX. Inició sus estudios musicales con Fray Miguel García, conocido como Padre Basilio, y más tarde con Manuel García, el famoso tenor español. Influenciado por el italiano Federico Moretti, y junto con Fernando Sor, adoptó la notación convencional para guitarra, prescindiendo de la notación por tablatura, imperante en España en esa época.La invasión de Napoleón, y lo que esto conllevó, no hizo sino ralentizar su aprendizaje. Después de un periodo de retiro que dedicó al estudio y perfeccionamiento de su técnica, se marchó a París en 1825, y atrajo la atención de músicos relevantes de la época (Rossini, Paganini, Vincenzo Bellini, Fernando Sor, Fossa, …) por su virtuosismo, y alcanzó un gran éxito con sus recitales. Con Sor hizo amistad, colaboró estrechamente e incluso vivió durante un tiempo. De hecho éste le dedicó un dueto (Op.41, Les Deux Amis, los dos amigos, una parte está marcada "Sor" y la otra "Aguado"). En 1838 regresó a Madrid, donde dedicó su vida a la enseñanza hasta que murió el 29 de diciembre de 1849.

Cuadros románticos,audición y texto.

Por dondequiera que fui

 la razón atropellé

la virtud escarnecí

a la justicia burlé

y a las mujeres vendí.

Yo a las cabañas bajé

yo a los palacios subí,

yo a los claustros escalé,

y en todas partes dejé 

memoria amarga de mí.

DON JUAN TENORIO

1844 José Zorrilla

(Al hacer este trabajo me ayudé de la visita que hicimos al museo romántico)

Música y sociedad.

Yo pienso que la música actual tiene bastante que ver con la sociedad en la que vivimos. Las canciones populares que escuchamos habitualmente en la radio o en cualquier otro sitio siempre tienen algo en común…Aunque tratan de diversos temas la mayoría de ellas ya sean en español o en inglés(o en otro idioma) tienen algo que ver con el amor,con el desengaño…con olvidar a alguien,con echar de menos a alguien…Hay canciones que dependiendo de su ritmo nos hacen cambiar nuestro estado de ánimo,como estar tristes o motivarnos…nos hacen imaginarnos cosas,pensar en momentos que ya hemos vivido. Las canciones siempre nos recuerdan a un momento,a un lugar y a una persona.
A parte las canciones populares (las que salen en las listas de las más escuchadas ect) suelen ser todas muy parecidas…por no decir iguales.

BIZET CARMEN HABANERA

Biografía:

París, 1838 - Bougival, Francia, 1875) Compositor francés. Muy exigente consigo mismo, su producción es escasa y cuenta con muchas obras inacabadas y retiradas por el mismo compositor y sólo recuperadas póstumamente, como es el caso de la Sinfonía en do mayor (1855). Nacido en el seno de una familia de músicos, ingresó en el Conservatorio de París con tan sólo nueve años. La consecución en 1857 del prestigioso Gran Premio de Roma de composición le permitió proseguir su formación en Italia durante tres años. Su ópera Don Procopio data de aquella época. A su regreso a Francia, compuso las óperas Los pescadores de perlas(1863) y La hermosa muchacha de Perth (1867), ambas acogidas con frialdad por el público. No corrieron mejor suerte las dos obras que más han contribuido a la fama del compositor: la música de escena para el drama La arlesiana (1872), de Alphonse Daudet, y sobre todo la considerada obra maestra del teatro lírico galo, Carmen(1875), cuyo controvertido estreno se dice que precipitó la muerte del compositor.

MUSSORGSKI: Una noche en el monte pelado

Modest Músorgski nació el 21 de marzo de 1839 (9 de marzo, según el calendario juliano), en la aldea rusa de Karevo (Pskov, al norte de Rusia), en una región campesina donde vivió sus primeros diez años. Ya mayor, volvía con frecuencia y permanecía largas temporadas, saturándose de la sensibilidad y el humor de la gente de su pueblo, para evocarlas después en la música que componía.De salud quebrantada y una vida de estrechez, a su carácter nervioso se unía una extrema sensibilidad que le permitía captar una visión exacta y consciente del pueblo. A partir de los veinte años su espíritu le cantó a los inocentes, a los pobres y a los desamparados. A diferencia de algunas composiciones de escasa trascendencia que escribió en su juventud, en su etapa de máxima creatividad se dedicó plenamente a concebir a través de su arte una imagen fiel de la vida, con predominio de la verdad sobre la belleza.A los 27 años de edad, la hermana de Borodín describió a Músorgski como «un brillante oficial en el regimiento de Preobrazhensky», actividad que alternaba con la música, y aunque eran frecuentes las acometidas del padecimiento nervioso que lo aquejó casi toda su existencia, el amor por la música lo impulsaba a sobreponerse con renovado entusiasmo. Modest Músorgski, si bien no alcanzó todo su potencial, poseía un prometedor talento musical, que le convirtió en uno de los más prominentes compositores rusos. Su originalidad, energía e ímpetu no lo hicieron invulnerable a los vicios, dejando inacabados algunos encargos y acortando prematuramente su vida.Músorgski cayó en una profunda depresión tras el fallecimiento de su madre.El pintor ruso Ilyá Repin realizó un retrato de Músorgski pocos días antes del deceso de éste que, en contraste evidente con la descripción anterior, lo muestra avejentado y deshecho por el alcohol, con los cabellos en desorden y en bata de enfermo, aunque con una mirada sumamente expresiva y dulce. Murió el 28 de marzo de 1881, pocos días después de cumplir 42 años.

Músorgski.

Contexto histórico: El público de ópera generalmente conservador frena la evolución del género hacia formas renovadoras.
Con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,Verdi,Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.

En las características técnicas apreciamos dos partes diferenciadas: la orquesta y el melodismo,cómo utiliza los timbres.
Melodía hecha con flauta,crear ambientes con el arpa,melodía antigua,música tradicional.

RUSIA. EL NACIONALISMO PURO.
La primera escuela nacionalista surge en Rusia gracias a la obra personal de un compositor :Mijal Glinka.La influencia de Glinka se desdobla en dos caminos diferentes:el nacionalismo a ultranza y el nacionalismo fusionado a formas más occidentales.La polémica estallará con frecuencia entre ambas concepciones,que producen compositores muy estimables.

ROMANTICISMO 11. BRAHMS Sinfonía en Mi menor (Allegro 1er movimiento)

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897) fue un pianista y compositor alemán del Romanticismo, aunque se le puede considerar ya un postromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos, manteniéndose fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador influenciado por Mozart, Haydn y en especial Beethoven. Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la “Guerra de los románticos”. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Franz Liszt, los miembros de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana, y por Richard Wagner.Nació en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido no fue bien recibida. Debido a esto, en 1862 se autoexilió en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas diversos.Las expresiones Las tres bes o La santa trinidad (frase acuñada por Hans von Bülow) se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.Algunos opinan, sin embargo, que von Bülow incluyó a Brahms en dicha "trinidad" por despecho y para perjudicar a Wagner, con quien estaba enemistado desde que su esposa le abandonó para casarse con el otro compositor.

Contexto histórico :El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo,conectado a luchas por la independencia o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.

La utilización del folklore de un país como inspiración musical había sido normal en el romanticismo :chopin,Liszt,Brahms…

-La escuela nacionalista mas importante es la rusa.

ROMANTICISMO 10. Tchaikovsky: El cascanueces. "El vals de las flores"

Biografía : Piotr Ilich Chaikovski fue un compositor ruso del período del Romanticismo. Es autor de algunas de las obras de música clásica más famosas del repertorio actual, como por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la obertura-fantasía Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, el Concierto para violín, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta(Patética) y la ópera Eugenio Oneguin.Nacido en una familia de clase media, la educación que recibió Chaikovski estaba dirigida a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostró. En contra de los deseos de su familia, decidió seguir una carrera musical y en 1862 accedió al Conservatorio de San Petersburgo, graduándose en 1865. La formación que recibió, formal y orientada al estilo musical occidental, lo apartó del movimiento contemporáneo nacionalista conocido como el «Grupo de los Cinco» conformado por un grupo de jóvenes compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relación profesional y de amistad a lo largo de su carrera.Mientras desarrollaba su estilo, Chaikovski escribió música en varios géneros y formas, incluyendo la sinfonía, ópera, ballet, música instrumental, de cámara y la canción. A pesar de contar con varios éxitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en sí mismo y su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresión. Como factores que quizá contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo a que se revelara su condición, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la única relación duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociación de 13 años con la rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputación de Chaikovski aumentó; recibió honores por parte del zar, obtuvo una pensión vitalicia y fue alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 años suele atribuirse generalmente al cólera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibió a veces duras críticas por parte de críticos y compositores. Sin embargo, su reputación como compositor de importancia es hoy en día segura, y ha desaparecido por completo el desdén con el que los críticos occidentales a principios y mediados del siglo XX catalogaban su música como vulgar y falta de pensamiento.

El cascanueces es un cuento de hadas-ballet estructurado en dos actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Ivan Vsevolozhsky en 1891 y se estrenó en 1892. La música fue compuesta por Piotr Ilich Chaikovski entre 1891 y 1892. Se trata de su op. 71 y es el tercero de sus ballets. En la producción original la coreografía fue creada por Marius Petipa y Lev Ivanov. El libreto fue escrito por Ivan Vsevolozhsky y el propio Petipa, basándose en la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.Antes de su estreno Chaikovski seleccionó ocho de los números del ballet formando la Suite El cascanueces op. 71a, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo.La suite fue popular desde entonces, aunque el ballet completo no logró su gran popularidad hasta los años 1960. La música de este ballet se conoce, entre otras cosas, por su uso de la celesta, un instrumento que el compositor ya había empleado en subalada sinfónica El voivoda de 1891. Es el instrumento solista en la Danza del hada de azúcar, pero también aparece en otras partes del segundo acto.La primera representación tuvo lugar el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo. Unos cincuenta años más tarde Walt Disney utilizó parte de la música de El cascanueces en su película Fantasía de 1940. A la gente le gustó la película y comenzaron a interesarse por el ballet. El interés creció cuando el montaje de El cascanueces de George Balanchine fue televisado a finales de 1950. El ballet ha sido representado en muchos lugares diferentes desde entonces y se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets en los países occidentales, principalmente representado en Navidad.

Características técnicas:El ritmo ternario es un Vals,siempre con las mismas melodías.
 Ballet. Música popular para representar baile de salón. Incorpora melodías rusas e internacionales como el vals. La orquesta (viento madera,viento metal, poca percusión triángulo)

Contexto histórico: El nacionalismo es una vía de evolución del romanticismo,conectado a luchas por la independencia  o a reacciones contra el dominio cultural extranjero.

Tchaikovsky compositor ruso que sintetiza el nacionalismo con el romanticismo europeo: el nacionalismo cosmopolita.

ROMANTICISMO 9. Berlioz. Sinfonía Fantástica

Louis Hector Berlioz (La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803 – París, 8 de marzo de 1869) fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830). Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música fue extraordinaria.Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André, entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro Jean-François Lesueur.

La Sinfonía fantástica es una sinfonía compuesta por Héctor Berlioz en 1830. El nombre bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subtítulo; el título que Berlioz puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. El autor se inspiró en la actriz shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la música programática. La Sinfonía fantástica consta de cinco movimientos:

1. Sueños y pasiones
2. Un baile
3. Escena en el campo
4. La marcha del cadalso
5. Sueño de una noche de aquelarre

El cuarto movimiento es la Marcha al Cadalso: Sueña que ha asesinado a su amada y que ha sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecución. La procesión se mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnífica, durante la cual el torpe sonido de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el último pensamiento de amor cortado de golpe por la muerte.

Contexto histórico: El público de ópera,generalmente conservador,frena la evolución del género hacia formas renovadoras.

La tradición sinfónica alemana concede a la orquesta un papel importante en la descripción de situaciones y en los acompañamientos,que en la ópera italiana solían ser demasiado simples.

-Tomando elementos de la escuela italiana y la alemana,en Francia se renueva el lenguaje musical a partir de la obra de Berlioz,y posteriormente,Gounod y Bizet.

ROMANTICISMO 8.Chopin. Nocturno en mi bemol mayor op 9 n2

Fryderyk Franciszek Chopin ( Gran Ducado de Varsovia, 1 de marzo o 22 de febrero de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) fue un compositor y virtuoso pianista polaco considerado como uno de los más importantes de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical. Su perfecta técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente, por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores, con las de Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Liszt.Conviene anotar la frecuente inspiración en el folklore de su país(polonesas,mazurcas).

Contexto histórico:
Siglo XIX,La ópera es el espectáculo preferido de la burguesía,no sólo los cantantes sino los compositores fueron grandes ídolos europeos. También triunfan los pianistas y los violinistas que viajan constantemente de concierto en concierto.La música romántica está hecha para la burguesía,la clase social dominante.
Las orquestas no tocan en las salas de fiesta de los palacios,si no en las salas de concierto o teatros que acogen a mayor cantidad de público.
Engrandecimiento de la plantilla orquestal.Nace la llamada música de salón,fácil y sencilla,que se convierte en la música de consumo del buen burgúes.

Características técnicas: 
Es una pieza breve que trasmite una sensación de intimidad.
El ritmo es ternario,es un Vals lentísimo.
Se percibe un cambio de carácter en la segunda parte es más alegre,más sencilla y con más intensidad.
El pulso es menos estricto,más bailable,no se acelera.
Cambios de tiempo
Es como un cuento breve ,una forma libre,expresiva
Termina con una coda( improvisatorio) termina en pianísimo.


Importancia del piano:
El instrumento favorito de la burguesía es el piano,que va adquiriendo poco a poco grandes dimensiones y mayor sonoridad.Es el instrumento al que se destina mayor cantidad de composiciones.
En muchos hogares románticos hay un piano y un pianista no profesional,a través de los cuales se efectúa gran parte del consumo musical.
En el salón hay un intrumento vertical que ocupa poco espacio,en la sala de conciertos o en el teatro hay un instrumento mayor ,horizontal,más poderoso y sonoro,el piano de cola. El primero es tocado por el aficionado ;el segundo ,por lo profesional virtuoso y brillante,al que se escucha por previo pago.

ROMANTICISMO 7. Schubert: lied Margarita en la rueca.

Biografía y contexto histórico: Pertenece a la primera generación del romanticismo alemán.
Schubert(1797-1828) es en cambio,un artista netamente romántico :vida brevísima ,existencia burguesa y un tanto fracasada,no logró ningún cargo aristocrático.Su público fue la burguesía intelectual vienesa.Formado en la capilla imperial de viena como niño de coro,Schubert tiene el don,casi milagroso,de la melodía.Su obra más ambiciosa ,las sinfonías ,las sonatas para piano ,su música de cámara ,son abordadas con la gran forma clásica. A pesar de su hermosura ,no son el medio apropiado dpara que el arte de Schubert se manifestara plenamente,Schubert alcanza el milagro y la genialidad en las formas breves,sobre todo en el lied,canción con acompañamiento de piano.

-El piano se convierte en el instrumento romántico por excelencia,donde el artista exterioriza los dictados de su sensibilidad.En la primera generación de músicos alemanes figuran:Weber y Schubert y algo más jóvenes que éstos: Mendelssohn,Schumann y Wagner.

Margarita en la rueca(en alemán, Gretchen am Spinnrade) fue compuesto por Franz Schubert en 1814, cuando tan solo tenía 17 años, y fue uno de sus primeros éxitos musicales. Esta obra es un lied y está escrita para soprano y piano, aunque también se ha adaptado para mezzosoprano.El texto es una poesía de la obra Fausto de Goethe. El texto y el argumento de esta obra han sido utilizados para numerosas obras literarias y musicales.

Comentario de texto: Carta que escribe Schubert al pintor Kupelwieser.

Como hemos visto en la biografía de Schubert anteriormente sabemos que vivió 30 años,esta carta muestra su angustia,supongo que sería en sus ultimos años de vida.
Se dirige a él diciéndole que se imaginea un hombre que no puede mejorar de salud,que está desesperado porque ya no puede hacer nada,que se ha quedado sin esperanzas y que no es feliz.
Le escribe:
Mi paz ha huído,mi corazón está dolorido.Nunca volveré a encontrarla nunca más.
Y por último le dice que así se siente él y que esa frase se la repite todos los días,deseando no volverse a despertar al día siguiente.

ROMANTICISMO 6.Wagner:Preludio de Tristán e Isolda

Tristán e Isolda (título original en alemán, Tristan und Isolde) es una ópera en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en gran medida en el romance de Godofredo de Estrasburgo. Fue compuesta entre 1857 y 1859 y se estrenó en Múnich el 10 de junio de 1865, bajo la batuta de Hans von Bülow. Wagner no la llamaba ópera sino Eine Handlung, que se traduce como «drama musical»; este término lo usó el dramaturgo español Calderón para sus dramas. Forma parte del Canon de Bayreuth.La composición de Wagner de Tristán e Isolda fue inspirado por su aventura con Mathilde Wesendonck y la filosofía de Arthur Schopenhauer. Reconocida ampliamente como una de las cumbres de su repertorio operístico, Tristán destaca por el uso avanzado de Wagner del cromatismo, la tonalidad, el color orquestal y suspensión armónica. El primer acorde de la ópera, llamado el «acorde de Tristán», se considera de gran importancia en el desarrollo de la armonía tonal tradicional.La ópera fue muy influyente entre los compositores clásicos occidentales y proporcionó inspiración a compositores como Gustav Mahler, Richard Strauss, Karol Szymanowski, Alban Berg y Arnold Schoenberg. Muchos ven Tristán como el comienzo del fin de la armonía convencional y la tonalidad y consideran que establece la base para la dirección de la música clásica en el siglo XX.

Características técnicas: 
¿Cómo surge el amor y cómo acaba en la muerte?
-Reacción contra el estilo italiano
-Uso de orquesta sinfónica completa.(importancia del viento)
-intervalo la fa ,melodía compleja (sentido argumentable)
-Melodía continua que está durante toda la obra.
-Preludio:función de presentar musicalmente a los personajes.
-Wagner lo llamaba dramas musicales y no consiente que lo llamen óperas,son obras de teatro cantadas.
-mitología
-duración 4 horas 15´ (por lo que resulta difícil de escuchar)
-el texto es complejo lo escribe el mísmo
-no hay repetición de frases,tiene que haber poco movimiento.

Importancia de la ópera alemana

ROMANTICISMO 5.Wagner: Cabalgata de las Walkirias.

Con Richard Wagner(1813-1883) la ópera nacional germana alcanza su auténtico valor y consigue hacerse con la hegemonía europea hasta tal punto que los avances introducidos por él en la concepción del espectáculo dramático musical y en el manejo de los elementos revolucionarán el arte sonoro de una forma definitiva:el dodecafonismo verá en él sy punto del arranque.
Wagner se vale de una lemgua común,la alemana,en los libretos que él mismo escribía sobre temas de tradiciones multiseculares basados eb la mitología y el folklore germanos y de unb deliberado nacionalismo que como en el caso de Verdi le acarreará algún problema político. Todos estos factores le insertan por completo en el Romanticismo,si bien la formidable proyección de su personalidad impiden encasillarle en esquemas estéticos rígidos.
Primera etapa: La prohibición del amor,Las hadas y Rienzi..
Emplea constantemente dos procedimientos: El mito y el leitmotiv.
Tannhauser y Lohengrin ,tetralogía de El anillo del Nibelungo, El oro del rhin, La walkyria, Sigfrido y el Ocaso de los dioses.Tristán e Isolda (lenguaje contemporáneo).Los maestros cantores es su única ópera cómica,auténtica exaltación de la raza germana.

La Cabalgata de las valquirias es el término popular para referirse al comienzo del tercer acto de La valquiria, la segunda ópera de la tetralogía El anillo del nibelungo, compuesta por Richard Wagner. El tema principal de la Cabalgata, el leitmotiv llamado Walkürenritt, fue escrito por el compositor el 23 de julio de 1851 y terminó el borrador preliminar de la Cabalgata en 1854, como parte de la composición de la ópera, cuya orquestación finalizó completamente para finales del primer cuatrimestre de 1856. Junto con la Marcha nupcial de Lohengrin, La cabalgata de las valquirias es una de las piezas más conocidas de Wagner.

En el teatro de ópera, la Cabalgata, que dura ocho minutos, comienza en el preludio del acto, sumándose sucesivamente instrumentos al acompañamiento hasta que el telón se levanta y se ve el pico de una montaña donde se han reunido cuatro de las ocho valquirias hermanas de Brunilda para preparar el transporte de los héroes caídos al Valhalla. A medida que se unen las otras cuatro, la orquesta representa la melodía familiar, mientras que, sobre ella, las valquirias se saludan entre ellas y cantan su grito de guerra. Aparte de la canción de las Doncellas del Rin (Rhinemaidens) en El oro del Rin, es la única pieza de conjunto en las tres primeras óperas de Wagner del ciclo del Anillo. Fuera del teatro de ópera, es habitual escuchar únicamente la versión instrumental, que puede durar unos tres minutos.

Contexto histórico: (Las pequeñas formas.El lied)Lo curioso de esta faceta del romanticismo fue la continua invención de estas pequeñas formas o la renovación y reelaboración de las ya existentes.El instrumento preferido fue el piano con la consolidación de las nacionalidades la ópera cobra un valor político que en autores como Wagner,verdi y Mussorgsky tendrá verdadero carácter documental.

Comentario de texto: Carta a liszt,3 de Octubre de 1855.

En esta carta Wagner le envía a su amigo  los dos primeros actos de la Walkiria. En la carta en general le cuenta cómo va la obra que está componiendo y los miedos que tiene ,también le habla de posibles rechazos del público por ver cosas nuevas,y de los planes que tiene de hacer escenas para que el oyente no se pueda resistir.

Le tenía mucho aprecio ya que le dice que está deseando que vea los actos que le manda. Wagner estaba preocupado por su segundo acto . Se sentía un poco incomprendido ya que como dice en la carta sólo era entendido por gente de verdadero temperamento(es decir para nadie),que seguramente la mayoría de la gente se quejaría.

ROMANTICISMO 4. VERDI II TROVATORE (escena del miserere)

El trovador (título original en italiano, Il trovatore) es una ópera en cuatro actos con música de Giuseppe Verdi yl ibreto en italiano de Salvatore Cammarano, basada en la obra de teatro El trovador (1836) de Antonio García Gutiérrez. Cammarano murió a mediados del año 1852 antes de terminar el libreto. Esto dio al compositor la oportunidad de proponer revisiones significativas, que bajo su dirección realizó el joven libretista Leone Emanuele Bardare, y se ven en gran medida en la ampliación del papel de Leonora. La ópera se representó por vez primera el 19 de enero de 1853 en el Teatro Apollo de Roma donde "comenzó la marcha victoriosa a través del mundo operístico".La trama -intricada y novelesca- se desarrolla entre Vizcaya y Aragón en el marco de la revuelta de Jaime de Urgel, a principios del siglo XV, contra Fernando de Antequera, a raíz del resultado del Compromiso de Caspe, al que se llegó después de la muerte sin hijos de Martín el Humano.